戏曲舞台上的新加坡故事
文图 · 蔡曙鹏
新加坡戏曲有近两百年的历史。那是一部中国戏班南来、移民后代、新加坡华人、新移民共同建构的戏曲史话。华族戏曲是多元民族社会绚丽多彩的非物质文化遗产的一部分。
1978年，美国学者ArnoldPerris在美国《民族音乐学》（Ethnomusicology）学报第22卷2号的文章中指出：1975年文化部发出演出街戏准证有4367张，1976年的文化部发出的准证估计数字会更低。的确，街戏演出数量数十年来递减。尽管韮菜芭城隍庙过去二、三十年，年年有百日大戏上演，为福建和潮州戏班提供了生存的时空。然而，戏班面临经济与艺术上的问题，学者李忠顺、赖素春、黄子明等都有相关论述。戏曲学院于2008年在国家博物馆召开的关于戏班的困境与挑战座谈会上，与会者刘虎臣等人提出方言消失、街戏演出条例趋严、收入锐减、缺乏提升艺术质量资源、无法吸纳年轻人等问题，戏班因而难以为继。除非官方与民间出台相助，估计再过十年八年会有更多戏班关门。早报李穗婷在今年4月15日制作的《疫情下艰难求存：传统街戏的困境》纪录片中，戏班从业者提出类似的结论。新加坡华族戏曲前景如何？戏班薪火是否由业余戏曲剧团或转型成为专业团体来传递？能否像几乎消失的马来邦沙旺一样，再度燃起希望的火焰？还是否能进行从内容到形式的现代转换？把新加坡故事搬上戏曲舞台是否是一个选择？
中华戏曲发展是不断变革的历史
从金院本到元杂剧（又称北杂剧），从北宋末至元末明初的南戏到明清传奇，从民国初年的时装新戏到1940年代现代戏，抑或1966年以后文革的样板戏，其变革的过程错综复杂。
博大精深的戏曲，经历代的创造与发展，其求变与创新的过程，受外因（如政治、社会、经济环境）和内因（如剧作家、表演艺术家、音乐创作倾向和理论主张观念、剧团结构）的影响，其生存状态不同、变革的幅度和速度也会有差异。然而，以戏曲形式反映现代生活的现代戏，是戏曲在由传统向现代发展、跨越过程中重要的一步。这个进程最早是从五四时期的戏曲改良运动开始的。1904-1905年，陈独秀发表《论戏曲》，吹响戏剧改良、戏曲现代化的嘹亮号角。田汉1957年《戏曲研究》创刊号上呼吁确立“向遗产学习、向舞台学习、向艺人学习”的研究方向。之后，郭汉城发表了《现代化与戏曲化》，提出戏曲现代化“就是要使戏曲跟上时代发展的步伐，表现时代生活，反映时代精神。1985年在上海举行的戏曲现代戏研讨会上，经过热烈讨论，认同了张庚提出的“现代戏就要批判继承传统戏曲艺术的原则、技巧、手法的基础去创新。”总结起来，就是现代戏要戏曲化。国光剧团王安祈说的“保留京剧技法绝活，注重唱词文学性”，也属此意。现代戏，是戏曲现代化的途径之一。
早期琼剧 潮剧 歌仔戏的现代戏
在新加坡舞台上最早出现的现代戏，是来自海南的琼剧团在40年代下南来演出《还我河山》《鸭绿江上》《打卢沟桥》等宣传抗战剧。朱逸辉刊登在《新加坡琼联声戏剧社庆祝成立三十五周年纪念刊》（1992年）里的文章中，还提起该团为育英中学和抗日筹款演出的《大义灭亲》的盛事。出生在中国潮安、战后再次南来，曾受聘于新加坡老赛桃源、三正顺香潮剧团的林如烈，编导过好几部现代戏。例如《呆中福》和《秋心泪》，虽没有史料记载这几部现代戏的状况，但可以推测这些现代戏曾经出现在新加坡的舞台。已故的本地歌仔戏班“筱麒麟”刘虎臣根据老电影编导与主演的《枪毙关瑞生》，90年代在韮菜芭城隍庙演出，便是一个成功的现代戏范例。
研讨会拉开新加坡戏曲变革的帷幕
在新加坡报业控股华文媒体集团的赞助下，新加坡戏曲学院于1997年6月6日至8日，召开了《传统戏曲的变革》的学术研讨会。新、中学者与戏曲工作者王安葵、蔡曙鹏、胡芝风、宋光祖、田萍、李忠顺、王光瀚、黄仕英、魏维鑫、涂秀好、罗长浩、卢楣华、包华升、上官流云、王凡石、吴启仁、陈有才共17人发表学术论文。四个专题（戏曲的改革；不同剧种的创作与发展实验；戏曲的表演与社会空间；京剧、潮剧与戏曲变革）中，有六篇讨论戏曲现代戏。在这个学术讨论盛会之后，戏曲学院于翌年启动现代戏《烈火真金》（又名《林谋盛》）的创作与传播。该剧在泰国文化部主办的民族戏剧节首演，之后被选为新加坡华族文化节重点节目，同年受邀参加湖北省第四届黄梅戏艺术节。之后，虽有其它现代戏如刘满钻的《红楼琴断未了情》和现代戏版《胡不归》、南华潮剧社现代戏版的《金花送郎》、戏曲学院的《黄金万两》和《新民的故事》等现代戏的零星演出，现代戏的集中汇演却要等到2018年，才出现了一个难逢的机遇。
新加坡故事的戏曲现代戏盛会
人民协会的文化与艺术集群前理事长蓝锐勋担任2018年第二届人民协会百盛艺术华族戏曲节工委会顾问时，建议以“新加坡的故事”为主题，创作新剧目在2018年9月30日的闭幕礼上演出。该倡议得到工委会主席团成员林方华（戏曲学院主席）、卓林茂（南华潮剧社社长）以及曲界大力支持。四个剧团百多名演员粉墨登场，半数以上是年轻人。这个筹备了近两年、要求搬演以新加坡故事为主题的新戏，合作伙伴都欣然接受挑战。他们希望演出起到抛砖引玉的作用，鼓励更多戏曲团体在推广和保留经典曲目之余，继续拓展表演形式，打造以本土故事为题材的剧目。
第一出剧目是女皇镇艺术文化俱乐部属下粤剧兴趣小组呈献的《狮城传》，由刘满钻编剧、新明星粤剧中心凌东明艺术总监导演，邱剑瑛（饰演圣尼王子）和张美莉（饰演演妃）领衔主演，合作演出团队是宋赛儿（Som Said）美丽遗产马来舞蹈团。张美莉回忆道：“我们为能够表演一个贴近我们内心的新加坡故事感到非常自豪。这位桑尼拉乌他玛王子（Sang Nila Utama）于1299年创建新加坡拉王朝，在位48年。这部小戏写他战胜风浪，意外发现我们的小岛的传说。它是粤剧和马来文化一次有意义的积极碰撞。我的团队需要学习马来文化习俗，并习惯穿上马来服饰表演。我们向宋赛儿舞团的老师学习马来音乐舞蹈。挑战变成了学习马来艺术的机遇。这个跨文化戏剧的创作让我们实现了目标，通过合作了解彼此的文化，让我们在互动中建立珍贵的友谊。”
女皇镇艺术文化俱乐部邱剑瑛(前排右一)和张美莉 (前排右二)与马来演员合演《狮城传
延戏剧团高思情编剧、黄萍导演的《新加坡》，是剧团2015年为庆祝新加坡50岁时献上的礼物。徐燕妮说：“在我们构思时，有位台湾朋友提到了《安童哥卖菜》，启发了我们以来自唐山的青年阿财，1965年到新加坡寻找祖父，在牛车水遇到阿宝的故事作为主线，从侧面反映那个时代人的善良与朴实。我们想展现新加坡多元民族的风貌，也把我们共同的爱好：马来、印度、娘惹的美食等都写进去，毕竟美食是文化的窗口。”汪美云说：“为了更好地了解60年代的生活环境和摊贩美食，我们在开始创作时，访问生活在那个年代的前辈们。编剧高思倩以轻松笔法，写得风趣幽默。2018年重演时，我们更注意唱韵脚，压韵上更严格。例如：四面环海新加坡，全年夏天好 迌，人情温暖大家好，四大民族拢合和。此外，黄导演从戏曲出发，处理舞台调度、动作、身段设计，避免出现话剧加唱的弊端。”
如切潮剧团呈献的剧目是蔡曙鹏编剧、洪志庆导演兼主演的潮剧、粤剧“两下锅”新编戏：《烈火真情》，由马林百列社区艺术文化俱乐部粤剧剧团和如切潮剧团联合演出。所谓两下锅，是指用两种剧种呈献一部戏。洪志庆团长说：“我们同属马林百列区的两个剧团，演绎1961年5月25日河水山的木屋区，在一场大火中失去家园的灾民相互扶持，并在政府协助下走出困境的故事。木屋区里住着不同方言群的居民，用潮剧、粤剧表演，有其合理性。戏里有马来救火员、印族群众，写出了小人物的生存状态、情感意识、价值观念、守望相助的甘榜精神。比较有挑战性的是如何制作符合时代背景的大小道具”。南京体育学院吴平平副教授说：“《烈火真情》虽精简，但是人物形象多元，行当丰富，表演层次多样。这部小戏情节感人，参演者能对剧中人的遭遇感同身受。”《烈火真情》取自史实，导演用历史照片投射在屏幕及能灵活移动的白板上，增强了戏的历史感，使戏的节奏更加流畅。
南华潮剧社演出的剧目是中国知名剧作家沈湘渠编剧、章振宇作曲的《五脚砌·相亲》。故事发生在60年代的新加坡柴船头，长光婶见一位卖粿条的青年阿水为人忠厚老实，有意为他做媒，和红头巾阿梅结成姻亲。两人巧遇后，善良朴实的阿水和热情坚毅的阿梅谈得十分投机。长光嫂到场后，发现他们已经不用媒人撮合，哑然失笑……戏以喜剧收场，让异乡客终于找到知心人。这部戏也展现新加坡多元文化的风采。柴船头街边有马来沙爹、印度零食（kacang putih）、冰球、粿条等等美食在戏里出现。这样的人物设置，把活脱脱的生活环境和人物生动地展现在舞台上。剧本通过塑造阿梅坚强刚毅的形象，依附于与阿水相遇的情节。两人在互动中，阿水感受到阿梅自立自强的个性，而阿梅也在交谈中感觉到阿水的人格魅力与生命价值。两个人物形象都有鲜明的时代色彩。南华潮剧社多次重演《五脚砌·相亲》，每次都在舞美、灯光和表演上再三琢磨，尽量做到审美风尚和艺术趣味兼顾。
南华潮剧社的《五脚砌·相亲》，阿水（李莉玲饰演，右中）向阿梅（李绿侨饰演）讲述当年他过番的艰难经历创作现代戏，就是用戏曲的形式表现现代生活。卓林茂的看法是：“面对年轻观众并不熟悉古典文学如四大名著、历史故事、民间传说的现实，也许创作以本地题材和他们比较熟悉的故事，更有吸引力。可以把演现代戏当成吸引新观众、特别是年轻观众的策略之一。《五脚砌·相亲》的多次重演，也是为了吸引年轻观众关注我们的非物质文化遗产、我们的戏曲传统。保住观众，培养新一代演员，是目前最迫切需要做的事。”
华族戏曲不会随风而去
当歌台在70年代在中元节暂露头角时，学界与媒体对戏曲的前途表示担忧。我对戏曲的可持续性一直深信不疑。华族戏曲是新加坡华族传统文化集大成的代表，彰显华人的价值追求、精神气度、文化品格和审美理想。与新加坡的书法、水墨画、华乐、华族舞蹈等非物质文化遗产一样，因其文化的当代价值非常重要与丰富，因而再过千年百代，也不会随风而去。
新加坡有故事。可以从华社先贤、企业精英、艺坛先驱、校园名人、引车卖浆等寻找可入戏的题材，在戏曲舞台上展现他们曲折奋斗的人生故事。然而，当代华族戏曲也离不开中华戏曲悠久而精深的文化资源，优秀的经典剧目和新编古装戏，承载了中华文化蕴含的思想观念、民族精神、人文道德。学习、演出与传播这些剧目，仍旧是发展戏曲的重要途径。华族戏曲发展峰回路转，终将应与马来邦沙旺殊途同归，为新加坡开辟一个万年青的戏剧园地。
延戏剧团的《新加坡》载歌载舞展现多元民族社会风貌
2018年，新加坡现代戏汇演闭幕礼上演职人员们与新加坡文化、社区及青年部部长合影
（作者为新加坡戏曲学院创院院长、民族音乐学博士）
Singapore Stories on Chinese Opera Stage
Chinese opera in Singapore has a history of nearly two hundred years. It is a history constructed by Chinese opera troupes who came from the South, descendants of immigrants, Singaporean Chinese, and new immigrants. As part of the colourful and intangible cultural heritage of Singapore’s multi-ethnic society, Chinese opera is showing its resilience to challenges and is moving forward thanks to groups that have developed new capabilities.
In 1978, American scholar Arnold Perris, pointed out in his article in the Ethnomusicology, Vol. 22, No. 2, that the Ministry of Culture issued 4,367 permits for performing street operas in 1975. These troupes faced many economic and artistic problems and have dwindled sharply over the last few decades, as Li Tong Soon, Lye Soo Choon and Huang Ziming, amongst other scholars, discussed in their publications. At the Symposium on the dilemma and challenges of street opera troupes held by the Chinese Opera Institute at the National Museum in 2008, veterans of street opera groups like Liew Kok Chen and others pointed out that the disappearance of dialects, stricter licensing on street opera performances, sharp decline in income, lack of resources to improve the quality of art, and inability to recruit young people to join troupes were the main factors that caused these problems. However, in the recent decades, amateur groups are increasingly playing an important role in guarding the tradition, by promoting Chinese opera in schools, community, and more importantly, creating new works and seeking new forms of presentation. Like their counterparts overseas, some local groups have produced xiandai xi (modern opera), moving towards the transformation of the art form.
An event that greatly encouraged the practitioners of Chinese opera groups to move towards the creation of new works based on Singapore stories was the PAssionArts Chinese Opera Festival 2018 organised by the People’s Association in 2018. The focus for the finale performance of the Festival on the 30th September was to feature Singapore stories on stage.
There have been scattered attempts to stage operas with contemporary content since the 1920s. Local groups like the Unicorn Hokkien Opera Group, founded by Liew Kok Chen, also had a well-known piece entitled “Shooting the Villain Guan Rui Sheng” in its repertoire since the early 1990s. The Chinese Opera Institute has also created operas that tell Singapore stories, such as “Lim Bo Seng”, “Tons of Gold” and “Tale of Bukit Merah”.
The enthusiastic response for the “Singapore stories on Chinese Opera Stage” in 2018 from the audience and the press greatly encouraged participating groups. Teo Lin Lee, producer of Queenstown Community Arts & Culture Club’s Cantonese opera “Sang Nila Utama” said: “The main objective of us embarking on ‘Sang Nila Utama’ was because we recognise Singapore as a Malay village from our founding years and the theme of our collaboration with People’s Association and Chinese Opera Institute at that time was to focus on Singapore Stories. The storyline is close to our heart and it was an enriching experience collaborating with the Sri Warisan Performing Arts Ltd in this cross-cultural experiment.” Albert Ang with the Joo Chiat Community Club echoed Teo’s view: “Our multiracial cast worked hard together to bring out a page of history on stage. In a way, it is an ode to the Kampong spirit and a tribute to the community that provided assistance and to the Housing and Development Board that rehoused the victims of the fire speedily.” Art Ang and Jenny See, founder of Do Opera, recalled the audience’s overwhelming response at the premiere of the Hokkien opera which they created: “We had a deep sense that our audience was totally connected with us as the familiarity of the place and the culture touched their hearts.” Toh Lim Mok, President of Nam Hwa Opera, is pleased that the “Voyage to Nanyang” has been repeatedly performed since its premiere in 2018 due to popular demand.
Staging Chinese opera stories of the modern era and local setting requires creators to develop new skills in aesthetics of the traditional theatre.The success story of 2018 paved the way for further development of a new genre in local Chinese operas. Given recent decades of shifts in general audienceship and institutional support, it is possibly one of the effective strategies in revitalising traditional theatre.
